Cuando se habla de anime, la mayoría de aficionados piensa inmediatamente en fenómenos modernos como Dragon Ball, Naruto, One Piece o Attack on Titan. Sin embargo, mucho antes de que estas franquicias conquistaran el mundo, los años setenta dieron forma a los cimientos sobre los que se construiría toda la industria de la animación japonesa. Fue una década de experimentación, innovación y creatividad desbordante en la que nacieron algunos de los personajes más icónicos de la cultura popular y se desarrollaron géneros que continúan dominando el mercado décadas después.
Si el anime de los años 80 supuso la consolidación definitiva del como genero como fenómeno global, con títulos que hoy siguen siendo referentes absolutos de la cultura popular, los años 70 fueron el laboratorio donde se crearon muchas de las ideas que marcarían el futuro de la animación japonesa.
Los 70 no solo marcaron el inicio de una nueva forma de contar historias animadas, sino que demostraron que el anime podía emocionar, hacer reflexionar y transportar a los espectadores a mundos completamente diferentes. Entre robots gigantes, piratas espaciales, trenes que recorrían la galaxia y niños enfrentándose a las dificultades de la vida, surgieron obras que todavía hoy conservan toda su capacidad de fascinación.
Lupin (1971)
Mucho antes de que los antihéroes estuvieran de moda, Lupin ya demostraba que un ladrón podía convertirse en uno de los personajes más carismáticos de la televisión. Inspirado en el célebre caballero del crimen creado por Maurice Leblanc, el anime seguía las aventuras de Arsène Lupin III, nieto del legendario ladrón francés, mientras recorría el mundo robando tesoros imposibles, burlando sistemas de seguridad absurdamente complejos y escapando una y otra vez de la policía.
Lo que hizo especial a la serie fue su capacidad para mezclar acción, humor, espionaje y aventura en dosis perfectas. Lupin nunca trabajaba solo; junto a él estaban personajes tan memorables como el pistolero Jigen, el samurái Goemon, la impredecible Fujiko Mine y el incansable inspector Zenigata, cuya obsesión por capturar al protagonista acabó convirtiéndose en una de las relaciones más divertidas del anime clásico. Cada episodio era una combinación de persecuciones, engaños y golpes imposibles que mantenía al espectador pegado a la pantalla.
Más de cincuenta años después de su estreno, Lupin sigue siendo una de las franquicias más queridas de Japón. Su influencia puede verse en innumerables series y películas de robos posteriores, y el personaje continúa demostrando que a veces el tipo más simpático de la historia no es el héroe… sino el ladrón que consigue escapar con el botín mientras todos los demás intentan averiguar qué acaba de pasar.
Mazinger Z (1972)
Si existe una serie capaz de representar la revolución que vivió el anime en los años setenta, esa es Mazinger Z. Creada por Go Nagai, la serie introdujo una idea que hoy parece normal pero que entonces era completamente novedosa: un joven pilotando un robot gigante desde una cabina situada en su interior. Este concepto cambió para siempre el género mecha y sirvió de inspiración para decenas de producciones posteriores.
La historia sigue a Koji Kabuto, heredero del poderoso Mazinger Z, una máquina construida para combatir las fuerzas del malvado Doctor Infierno y su ejército de monstruos mecánicos. Cada episodio ofrecía nuevos desafíos, combates espectaculares y armas inolvidables como el famoso Puño Cohete, que acabaría convirtiéndose en uno de los ataques más icónicos de la historia del anime.
Pero el éxito de Mazinger Z fue mucho más allá de sus explosiones y batallas. La serie capturó la imaginación de toda una generación que soñaba con pilotar un robot gigante y salvar el mundo después de hacer los deberes. Su influencia sigue siendo visible en franquicias como Gundam o Evangelion, y décadas después de su estreno continúa siendo uno de los símbolos más reconocibles de la animación japonesa.
Heidi (1974)
Entre robots gigantes, piratas espaciales y aventuras intergalácticas, Heidi demostró que una historia sencilla también podía convertirse en un fenómeno mundial. Basada en la famosa novela de Johanna Spyri, la serie narra la vida de una niña huérfana que es enviada a vivir con su abuelo en los Alpes suizos, donde descubrirá el valor de la amistad, la familia y el contacto con la naturaleza. Lo que parecía una modesta historia infantil terminó convirtiéndose en una de las producciones más queridas e influyentes de la historia del anime.
Gran parte de su éxito se debe a la enorme sensibilidad con la que fueron retratados sus personajes y escenarios. Los paisajes alpinos, los animales, las montañas y la vida cotidiana transmitían una sensación de libertad y calidez que conquistó a espectadores de todas las edades. Además, la serie contó con la participación de dos futuros gigantes de la animación japonesa, Isao Takahata y Hayao Miyazaki, mucho antes de fundar Studio Ghibli.
Sin embargo, quien recuerde Heidi únicamente como una serie alegre llena de cabras y praderas probablemente no la haya visto desde hace décadas. La historia también abordaba temas como la soledad, la enfermedad, la nostalgia y la separación familiar con una madurez sorprendente para una producción infantil. Quizá por eso sigue emocionando generación tras generación: porque detrás de aquella niña que corría feliz por las montañas se escondía una de las historias más humanas y entrañables que ha dado la animación japonesa.
Space Battleship Yamato (1974)
Mientras gran parte de la animación de la época estaba dirigida principalmente al público infantil, Space Battleship Yamato se atrevió a ofrecer una historia mucho más ambiciosa y madura. La serie nos sitúa en un futuro en el que la Tierra está al borde de la destrucción debido a los ataques de una civilización extraterrestre. La última esperanza de la humanidad es una misión desesperada a bordo del Yamato, un legendario acorazado japonés de la Segunda Guerra Mundial reconstruido como una gigantesca nave espacial capaz de viajar por la galaxia.
A diferencia de muchas series de aventuras de aquellos años, Yamato apostó por una narrativa continua en la que cada episodio formaba parte de una gran odisea. La tripulación debía enfrentarse a batallas espaciales, enemigos implacables y decisiones difíciles mientras recorría millones de kilómetros en busca de una tecnología capaz de salvar a la humanidad. Esta mezcla de ciencia ficción, drama y épica militar ayudó a crear una experiencia mucho más intensa y emocionante que la mayoría de producciones contemporáneas.
La influencia de Space Battleship Yamato en la historia del anime es enorme. Muchos la consideran una de las obras que demostraron que la animación japonesa podía contar historias complejas y dirigirse también a adolescentes y adultos. Décadas después, sigue siendo una referencia obligada para cualquier amante de la ciencia ficción, y su legado puede apreciarse en innumerables series espaciales que llegaron después. Porque mucho antes de que existieran las grandes sagas galácticas modernas, el Yamato ya estaba recorriendo las estrellas intentando salvar el mundo.
Marco (1976)
Si los años setenta hubieran tenido un campeonato mundial de hacer llorar a los espectadores, Marco habría ganado por goleada. Basada en la novela Corazón de Edmondo De Amicis, la serie cuenta la historia de Marco Rossi, un niño italiano que emprende un larguísimo viaje desde Europa hasta Sudamérica para encontrar a su madre, que ha emigrado a Argentina en busca de trabajo. Lo que comienza como una aventura llena de esperanza se convierte rápidamente en un recorrido repleto de obstáculos, sacrificios y momentos profundamente emotivos.
A lo largo de sus 52 episodios, Marco se enfrenta a la pobreza, la soledad, las enfermedades y todo tipo de dificultades mientras recorre miles de kilómetros sin perder nunca la determinación de reunirse con su familia. La serie destacó por presentar una historia realista y humana, muy alejada de las aventuras fantásticas que dominaban buena parte de la animación de la época. Su capacidad para conectar emocionalmente con el público hizo que millones de espectadores se identificaran con el protagonista y sufrieran junto a él en cada nuevo contratiempo.
Más allá de la nostalgia, Marco sigue siendo considerada una de las mejores series dramáticas de la historia del anime. Su retrato del esfuerzo, la perseverancia y el amor familiar continúa emocionando décadas después de su estreno. Y aunque muchos la recuerdan con cariño, también existe un consenso casi universal: pocas series han hecho sufrir tanto a un protagonista tan pequeño durante tantos episodios seguidos.
Las aventuras del Capitán Harlock (1978)
Pocos personajes del anime clásico desprenden tanto carisma como el Capitán Harlock. Creado por el maestro Leiji Matsumoto, este misterioso corsario espacial se convirtió rápidamente en uno de los héroes más icónicos de la ciencia ficción japonesa. Con su característica capa negra, su cicatriz en el rostro y una actitud desafiante ante cualquier autoridad, Harlock representaba al rebelde perfecto: un hombre dispuesto a luchar por sus ideales incluso cuando el resto del mundo había dejado de hacerlo.
La serie nos transporta a un futuro en el que la humanidad vive acomodada, apática y dependiente de la tecnología. Cuando una amenaza extraterrestre pone en peligro la Tierra, Harlock y la tripulación de la legendaria nave Arcadia deciden plantar cara al enemigo mientras los gobiernos permanecen paralizados. A partir de ahí comienza una aventura espacial repleta de combates, misterios y viajes por la galaxia que combina acción con reflexiones sobre la libertad, el honor y la responsabilidad individual.
Más allá de sus emocionantes batallas, el gran atractivo de la serie era su protagonista. Harlock no era el típico héroe optimista ni un salvador convencional; era un personaje melancólico, solitario y profundamente fiel a sus principios. Esa personalidad única, unida al espectacular diseño de la Arcadia y a la inconfundible estética de Matsumoto, convirtió la serie en un clásico instantáneo. Décadas después, el Capitán Harlock sigue siendo uno de los grandes símbolos del anime espacial y uno de los personajes más admirados de la historia de la animación japonesa.
Conan, el niño del futuro (1978)
Mucho antes de conquistar el mundo con películas como Mi vecino Totoro, La princesa Mononoke o El viaje de Chihiro, Hayao Miyazaki ya estaba demostrando su talento con Conan, el niño del futuro. Considerada una de las grandes joyas ocultas del anime clásico, la serie nos transporta a un mundo devastado por una guerra global que ha alterado por completo el planeta. En este escenario postapocalíptico vive Conan, un joven de fuerza extraordinaria que verá cómo su tranquila vida cambia cuando conoce a Lana, una misteriosa niña perseguida por una poderosa organización.
Lo que sigue es una aventura trepidante llena de persecuciones, descubrimientos y enfrentamientos entre quienes desean reconstruir el mundo y quienes buscan controlarlo. Aunque la serie está repleta de acción y momentos emocionantes, también destaca por abordar temas que más tarde se convertirían en señas de identidad de Miyazaki, como la importancia de la naturaleza, los peligros del abuso tecnológico y la capacidad humana para construir un futuro mejor.
A diferencia de muchas producciones de la época, Conan, el niño del futuro logra equilibrar perfectamente aventura, humor y reflexión. Su ritmo dinámico, sus personajes entrañables y la calidad de su animación la convierten en una obra sorprendentemente moderna incluso décadas después de su estreno. Muchos aficionados la consideran una especie de prototipo de todo lo que Miyazaki desarrollaría más tarde en Studio Ghibli, lo que la convierte en una parada obligatoria para cualquier amante de la historia del anime.
Galaxy Express 999 (1978)
Si alguien hubiera propuesto en los años setenta una serie protagonizada por un tren que viaja por el espacio, probablemente habría sonado como una idea demasiado extraña incluso para los estándares del anime. Sin embargo, de la imaginación de Leiji Matsumoto nació Galaxy Express 999, una de las obras más originales, profundas y fascinantes de toda la década. La historia sigue a Tetsuro Hoshino, un joven que sueña con obtener un cuerpo mecánico para escapar de la pobreza y la fragilidad humana. Para lograrlo, emprende un viaje por la galaxia a bordo del misterioso Galaxy Express 999 junto a la enigmática Maetel.
A medida que el tren recorre mundos cada vez más extraños, Tetsuro descubre civilizaciones futuristas, sociedades decadentes y personajes que le obligan a cuestionar todo aquello en lo que cree. Lo que comienza como una aventura espacial se transforma poco a poco en una profunda reflexión sobre la humanidad, el progreso tecnológico, la inmortalidad y el verdadero valor de la vida. Cada parada funciona como una pequeña historia cargada de simbolismo y enseñanzas que convierten la serie en mucho más que una simple producción de ciencia ficción.
Con una estética inconfundible y una atmósfera melancólica que se convirtió en la marca de fábrica de Matsumoto, Galaxy Express 999 es una obra que combina imaginación desbordante y filosofía como pocas series han logrado hacer. Décadas después de su estreno sigue siendo considerada una de las grandes joyas del anime clásico y una demostración de que, a veces, los viajes más largos son también los más profundos.
Doraemon (1979)
Pocos personajes de la cultura popular japonesa han alcanzado el nivel de reconocimiento de Doraemon. Este simpático gato robot azul llegado del siglo XXII apareció por primera vez en televisión en 1979 y, desde entonces, se ha convertido en uno de los mayores iconos del anime. La premisa era tan sencilla como brillante: Doraemon viaja al pasado para ayudar a Nobita, un niño perezoso, torpe y con una habilidad casi sobrenatural para meterse en problemas. Para lograrlo, utiliza los increíbles inventos que guarda en su famoso bolsillo cuatridimensional.
Cada episodio partía normalmente de una situación cotidiana que Nobita intentaba resolver utilizando alguno de los artilugios futuristas de Doraemon. El problema era que sus planes casi siempre terminaban saliéndose de control, provocando situaciones absurdas, divertidas y a menudo bastante caóticas. Esta combinación de humor, imaginación y pequeñas lecciones de vida convirtió la serie en un éxito inmediato entre niños y adultos.
Sin necesidad de grandes batallas ni complejas tramas de ciencia ficción, Doraemon logró algo al alcance de muy pocas series: convertirse en una parte inseparable de la infancia de millones de personas. Además de entretener, sus historias transmitían valores como la amistad, la responsabilidad y la importancia de aprender de los errores. Décadas después de su estreno, el gato robot sigue siendo una de las figuras más queridas de la animación mundial, demostrando que a veces el verdadero superpoder no es salvar el universo, sino intentar arreglar los problemas del día a día… aunque el resultado no siempre salga como estaba previsto.
La Rosa de Versalles (1979)
Mientras muchas series de finales de los años setenta apostaban por la ciencia ficción, la aventura o la comedia, La Rosa de Versalles demostró que el anime también podía brillar contando grandes dramas históricos. Ambientada en los turbulentos años previos a la Revolución Francesa, la serie sigue la vida de Oscar François de Jarjayes, una mujer criada como hombre por su padre para servir como comandante de la Guardia Real. Esta premisa, extraordinariamente innovadora para su época, permitió desarrollar una historia compleja que mezclaba política, romance, intrigas palaciegas y conflictos personales.
A medida que la situación social de Francia se deteriora y el descontento popular crece, Oscar se ve atrapada entre su deber hacia la monarquía y su creciente conciencia de las injusticias que sufren los ciudadanos. Paralelamente, la serie retrata personajes históricos como María Antonieta y otros protagonistas ficticios cuyas vidas quedan marcadas por los acontecimientos que desembocarán en una de las revoluciones más importantes de la historia.
Más allá de su espectacular ambientación y su elegante estilo visual, La Rosa de Versalles destacó por abordar temas poco habituales en la animación de la época, como la identidad, las diferencias de clase, el papel de la mujer en la sociedad y el conflicto entre las convicciones personales y las obligaciones impuestas. Su enorme éxito la convirtió en una de las obras más influyentes del anime clásico y en un referente absoluto del género shōjo. Décadas después, Lady Oscar sigue siendo uno de los personajes más admirados de la animación japonesa y una prueba de que algunas historias nunca pierden su capacidad para emocionar.
El legado de una década irrepetible
Los años setenta representaron mucho más que una etapa de crecimiento para la animación japonesa. Fue la década en la que el anime descubrió su identidad y comenzó a desarrollar los recursos narrativos que acabarían convirtiéndolo en un fenómeno global. Desde la revolución tecnológica impulsada por Mazinger Z hasta la sensibilidad emocional de Heidi y Marco, pasando por las epopeyas espaciales de Yamato, Harlock y Galaxy Express 999, estas series demostraron que la animación podía abordar cualquier género y conectar con públicos de todas las edades.
Más de cincuenta años después de sus estrenos, continúan siendo referentes culturales y artísticos cuya influencia sigue presente en prácticamente todas las producciones modernas. Hablar de la historia del anime es, inevitablemente, hablar de estas diez obras que ayudaron a definir una de las décadas más brillantes e influyentes de la animación mundial.